DrumTower West Theatre
很多观众都很关心登陆保利剧院的《枕头人》在舞美方面会带来哪些变化和惊喜。
相比于300人座位的小剧场，千人以上的大剧场的观戏体验是完全不同的：观众与舞台的距离拉开，剧场空间变大，以及声场的变化，观众人数增加所带来的共振强度的变化，大剧场版《枕头人》的主创将给出观众们怎样的答卷呢？
鼓楼西版的《枕头人》，一共只有五位演员，在同一幕中出场人物最多的情况也只有三位演员，这样的人物设置也给大剧场空间呈现出了难题。
《枕头人》新加盟的特邀灯光设计任冬生说：“目前为止对这部戏的创作，我预感到会有很多的困难，或者说障碍。将来创作的基础是独特性。因为，只有拥有独特性，才能调整自己的思维，去适应某个概念和观念。”
演出前的舞美细节一向会做足全套保密工作，《枕头人》导演周可在对外采访时也一贯点到为止：大家到剧场看了就知道了。
作为《枕头人》的忠实N刷粉，编辑部按耐不住探秘之心，于是深入内部旁听了一次主创会议，捞到了不少独家干货，特此分享。
希望对已经买好票，等着8月1日-8月4日去保利剧院看《枕头人》的观众，以及还在犹豫要不要买票的观众，都有所参考和帮助。
8月1日-4日 《枕头人》登陆保利剧院
大变身
01
新加入卡图兰兄弟的父亲和母亲两位演员
看过《枕头人》的观众，一定对其中卡图兰的父母印象深刻，但他们的形象始终以人声的方式呈现；此外，《小基督的故事》中卡图兰的父母则是以投影播放的剪影方式呈现。
他们表面温柔却行为残忍冷酷，对卡图兰兄弟的命运，以及卡图兰笔下人物的命运都有着至关重要的影响。
本次《枕头人》，卡图兰父母将由真人扮演。熟悉鼓楼西的观众对这两位一定不陌生，扮演母亲的是《一句顶一万句》中刁蛮直率的老曹妻的扮演者赵金霞，扮演父亲的是鼓楼西的好朋友和英楠。
两位新演员的加入，把之前通过人声和影像剪影呈现的人物，在现实空间立体化。同时，他们所扮演的人物又是戏中人创作小说中的故事角色。双重的虚构，将如何在他们的表演方式中体现呢？相信这会是演出的一大亮点。
摄影：李绘
02
延续“档案盒”独有创意
新增盒子另外两面
是否延续小剧场版核心概念“档案盒”？主创们曾经对此进行了长时间的讨论，舞美设计沈力很担心这一版如果不做成全新版，会变成一次自己对自己的抄袭。
于是远在异国，他每晚抓着导演讨论如何大改。但回到创作的原点，周可这样说道：“《枕头人》有很多种的展现方式。但就我们而言，我们的展现方式就是档案盒。作家卡图兰宁愿牺牲生命，也要维护的东西是什么？是他真实的记忆，是对历史的一段真实记忆。无论他是生是死，只要他的作品没有被烧掉，哪怕被封存起来，总有一天会见到天日。这是我们对真实这件事的态度。‘档案盒’是我们之前选择用来诠释‘真实’的语汇，我们希望把它延续下去。”
基于这一初心，最终主创们达成共识：延续“档案盒”的创意。但考虑到大剧场的空间变化，“档案盒”将从原来只展现两个面，审讯室和囚室，增加到展现盒子的四面。
至于另外两面是什么场景，只有敢于打开盒子和转动盒子的人，才能知晓了。
03
演员将全程真声演出不戴麦？
“我很不喜欢演员戴麦演大剧场”
近几年的剧场演出，普遍出现演员戴麦表演的现象，这几乎成了默许的行业惯例。尤其大剧场演出需要连轴转地全国巡演，面对千人观众的大剧场，连续奔波演出，可想而知演员的疲劳程度，戴麦演出似乎也得到大家的理解。
《枕头人》导演周可的表态是：“我觉得不能给演员戴麦。我很不喜欢演员戴麦演大剧场。一戴麦，声音完全是从喇叭里出来的。来到大剧场，演员声音的能量更需要放出来。我可以接受有扩声和采音的设备，主要还是要靠演员的人声进行表演。
演员每次登台表演，能量必须一样。观众知道演员在省嗓子的时候，势必就知道演员没有用尽全力。一戴麦，演员发觉声音很容易就被观众听到，这样表演起来能很省力。这是不行的，话剧演员的身体得动起来。不能让演员依赖上戴麦。”
虽然戴不戴麦还尚未有定数，但这次的《枕头人》，主创将尽量通过协调和设计，完成这个想法。尽量使每场演出，都贯彻戏剧真实的精神和态度。
摄影：李绘
04
加入即时摄影科技元素
放大与监控新玩法
《枕头人》的重头戏多发生在一个重要的场景中——审讯室。大家不妨看看剧情简介，两个警探将在审讯中拷问作家卡图兰。三个人物、三种立场，在严丝合缝的情节和对话铺展过程中，即时摄影的运用将如何把小小审讯室中严刑逼问的黑暗面暴露无遗？
在话剧表演过程中，使用影像元素并不新奇。有时，创作者也会选择提前录制好影像内容，在演出过程中播放以推动故事情节。
但本次《枕头人》使用的是即时影像，其特点是：它反映的是演员的临场表演、演员当下最细腻的表情。
这是一种体现绝对现场感的新媒体运用。
专访沈力、任冬生
《枕头人》舞美、灯光设计理念初衷
提起鼓楼西剧场，就不能不提到一位核心人物——
舞美设计沈力。
沈力
鼓楼西剧场建立五年，出品十四部自制戏，其中有六部剧目（从鼓楼西开幕大戏《枕头人》，到《审查者》《晚安，妈妈》《烟草花》《婚姻情境》，直至《一句顶一万句》）的舞台设计皆出自沈力之手。
鼓楼西剧场还未竣工之前，沈力就已经专门到此，亲手测量了鼓楼西剧场舞台的宽度。
因而，鼓楼西出品的剧目风格、呈现给观众们的观感、收获的认可，必然也带有强烈的“沈力”色彩。
《枕头人》剧照摄影：朱朝晖
舞美设计：沈力
《婚姻情境》舞美效果图
舞美设计：沈力
《一句顶一万句》宣传片片段
舞美设计：沈力
本次《枕头人》，还迎来了另一位让人眼前一亮的主创、新加盟的重磅成员——
灯光设计任冬生。
任冬生
任冬生是谁呢？看看他的作品，你就知道了。
张艺谋导演观念演出《对话寓言2047》
舞台灯光总设计：任冬生
在讨论会的休息间歇，鼓楼西抓住了沈力与任东生，进行了一次采访。
他们的嘴风很严，关于《枕头人》的舞美和灯光设计创作细节仍旧点到为止，吊足观众胃口。
但我们依然可以从他们的审美趣味、创作观念中，窥探到他们做戏剧的专业性，以及通过剧场的视觉设计，他们想要为世界做些什么的野心和诚意，甚至延展到戏外的普世态度。
对于国内的文化主流偏好、教育现状，他们也提出了自己的反思。沈力说：“用一点点力量去跟当下社会中，很多不大对的东西对抗一下。哪怕只有一个人去对抗。”
8月1日-4日 《枕头人》登陆保利剧院
采访实录
鼓楼西：两位之前就合作过，是怎么相识的？
沈力：通过《最后一头战象》相识。之前我只听说过任（冬生）老师，终于在这部作品中得以合作。一经合作，我们两人感觉一见如故。我觉得，舞台设计最重要的搭档就是灯光设计。因为这两块内容，是同进同出、相互影响的。在职业生涯中，我与许多灯光设计师合作过。与任老师合作后，发觉是一位合作得非常愉快的搭档，很难得。
《最后一头战象》剧照
沈力、任冬生合作剧目
鼓楼西：您觉得“合作愉快”是指在专业度上？还是在沟通、理念上？
沈力：全方位。
任冬生：就像在寻找一位知音。我觉得最重要的是在审美上。我们对一出戏的理解比较相似，一聊起来，就会很兴奋。像对诗似的，有人和你对上了，很淋漓。我跟沈力老师大致就处于这种状态。
鼓楼西：在工作流程上，舞美跟灯光如何配合？任老师曾做过视觉总监，那么视觉总监和灯光设计有什么不同？
沈力：视觉是整体的。任老师主职是灯光设计，兼做舞美设计和视觉总监，是对整个舞台的视觉把控。
我也做过视觉总监，但我相对停留在舞台设计的层面上，这是我的主专业。舞台设计无法兼任灯光设计，但灯光设计可以兼任舞台设计。因为灯光设计是从属另一个技术领域。
大致的工作流程是：拿到剧本后，就和导演沟通。舞台设计先出基本的空间方案，灯光设计紧接着进入。这是国内的戏整体的工作流程，但我觉得灯光设计进入得太晚，就会产生一些问题。我跟任老师的合作、沟通与讨论，就会开始得比较早。
因为我俩都在艺术院校里任教。我们教学生，就希望他们按部就班，知道每一步应该是什么样子。用一点点力量，去跟当下社会中很多不太对的东西对抗一下，哪怕有一个人去对抗，也算是比较成功的了。我自己始终朝这个方向努力。
刚才说到为什么跟任老师有默契？虽然这只是我们合作的第三个戏（两位合作的第二部戏是过士行编剧、导演的《鸟人》），但每一次的创作过程，我们都会跟着相对正式和学术的模式去执行，这样办事比较舒坦。
鼓楼西：我之前看过任老师的采访，您对选择剧本非常挑剔。剧本也是您决定是否参与一部戏的标准。两位老师如何衡量剧目质量？如何确定是否要加入一支团队中？
沈力：剧本质量蛮重要的。现代人常有个误区，觉得舞台做得好看就可以。然而，不管是戏剧、舞剧、音乐剧、歌剧，都要以文本为第一要义。
因为戏剧的核心就是文本，从导演到舞美、灯光，都是在把文本用自己崭新、有个性的方式，进行解读和重塑，这才是戏剧出现的意义。
所以我还是有些挑剔文本的。这个挑剔是，自己心里跟自己过不去。不像年轻的时候，有冲劲、闯劲，什么都想做。那时也需要挣钱生活，现在钱也没有太多，但够生活、够吃、够住，于是就想找到志同道合的人，做真正想做的东西。这样呈现出来作品，对自己也会更有意义。同时也希望，对大众产生一点点影响。
任冬生：对。因为到了我们这个年龄，选择剧本的时候，都会相对慎重。对我来说，导演是我考量的第一因素；其次，会思考剧目成型后，是否能够产生一些良性的社会影响。
剧本和导演都非常重要，因为我们主要围绕在导演周围工作。导演的格调、品位，都在主导一部戏的走向。我跟沈力老师，在做视觉、灯光、舞美设计时，都要沿着导演的思考轨迹行走。
像沈力老师所说，我们在一定程度上是被动的。我们要忖度，怎么更符合导演的审美要求，又能表现出我们自身的所思所想。
舞剧《梁山伯与祝英台》
视觉总监：任冬生
鼓楼西：当代剧场愈发偏向当代艺术，出现了以舞美为核心，或者完全是用新媒体、高科技夺人眼球的现象。两位怎么看装置或者灯光本身的艺术独立性，以及剧场去文本化的趋势？
沈力：我觉得可以有，这也是戏剧的分支。比如，在1960年代美国出现了谢克纳，他提出了人类表演学、环境戏剧。到现在，还有人在不断地做，但它其实并没有成为主流。而他当年的预言是，这会成为主流。我觉得这是多元化的体现。
科技的介入是好事，但绝不能让科技凌驾于艺术本身之上。这样会带来一个很大的问题——视觉超越文本。
更多的问题会接踵而来，所有的东西都一瞬即逝，无法造就“真正的经典”。再举个例子，意大利曾经流行歌剧，舞台绘景非常漂亮、逼真。当时，大家都为此鼓掌，认为透视景画得非常好看。但你觉得那个时代有什么戏留下来的吗？没有。因为那个年代，可能贵族非常闲，并且第一次见到这么漂亮的布景。我去过奥林匹亚剧场，到现在还完整保留了一个测景系统，整个舞台上都是透视布景，真的非常漂亮。但这样的设计，可能只能在某个时代的某段时间兴起一会儿。
我们也正面临类似的问题。我觉得必须要把戏剧和秀区分开。不是说两样东西不能共存，但无论是做戏剧还是商业秀，都要求我们要有专业性。现在国内，很多人把这两件事混淆了。
而且很多不专业的人在插手此事。比如，越空的景越难做好，可能花的钱更多。为了去展现“空”的效果，需要做更多的遮挡、特效，用更好的灯。但很多制作人无法理解。
现在，我希望我们的任务是，尽量做一些更专业和纯粹的东西。
鼓楼西：您认为戏剧是一个团队艺术吗？
任冬生：做我们自己。因为现在很多作品都在哗众取宠，你在这部戏后，得不到任何养分。我们在做作品的时候，都希望，无论是视觉、舞美、灯光，都能融入一点哲学性、思辨性，让观众走出剧场后，能花很长一段时间思考。我们是否能帮助导演以及这部戏达到这个标准，是我们努力的共同目标。
张艺谋导演观念演出《对话寓言2047》
舞台灯光总设计：任冬生
鼓楼西：现在确是视觉至上的时代。我之前看了一本关于“城市发展与身体关系”的书，作者提到他有一个参加过越战的朋友，一只胳膊在战争中被炸掉了。他们一起去电影院看战争片，观众从银幕中的暴力，体会到刺激和过瘾。但观众看到作者这位残肢的朋友，却无动于衷的。视觉占据了沟通中的重要部分。比如，发表情包更容易替代文字交流。而戏剧还饱有“在场”的属性，相对于视觉刺激的观看方式，两位怎么看？
沈力：现代社会的浮躁，带来了这个问题。我们的历史带来飞速发展，导致我们跳过了某些阶段。人在高速增长中，究竟需要什么？就是刺激。刺激最直观来源于视觉，因而促生了很多视觉刺激的东西。
随着科技的大量介入，这个趋势愈发明显。我刚刚去捷克，那里的姑娘、少年们，晒得脸红红的，皮肤也不太好。但他们身上散发出的自信、身上最自然的东西，都太美好了。人应该珍惜身上最自然的状态。
2019年3月，美国版的Vogue magazine在官方ins上发布了一张中国新晋模特照片，引起热烈讨论
可能在你们这个年龄段，还缺少一些体会和感悟。这也就是我们的任务，希望让大家可以稍微慢一点、回来一点。戏剧也是这样，戏剧受众不多，但是戏剧最可贵的是“面对面”，每场看到的演员状态以及你自身的状态都是不同的，但却最自然。我们正努力保有戏剧这个小众形式带给人的享受、刺激，甚至痛苦。
鼓楼西：中国戏剧跟世界整体戏剧行业仍存在差异。从舞美方面来说，两位觉得最前沿的趋势是怎样的？
沈力：我俩贼传统。但我不喜欢用某某主义去定性艺术。我授课的时候，从来不分成123点，或者是结构主义、后现代主义。
所以我觉得做舞台设计、灯光设计最关键的就是，做出来的东西适不适合这个文本。努力地、安安静静地、低调地，去实现这个目标。十年前的我，闯着各种不该闯的禁区，做了各种可能是错、可能对的事。但正因为有了那些经历，才让自己现在稍微沉淀一点。
左起：《枕头人》舞美设计沈力、灯光设计任冬生
任冬生：从创作来说，文本非常重要。通过文本结构，才能够把它梳理出视觉结构。沈力老师通过读文本，重新解构视觉，就等同于将文本翻译成一种视觉语言。那么我翻译的时候，却不会跟文本去完全对应。这是一个观念性的创作过程。
沈力：就像我们现在的教育。老师给的答案就是对的。我的学生在大一、大二的时候，仍旧没有掌握主动探究的能力，还是在迎合老师。我当了这么多年老师，发现要让学生主动去创造。
所以我们作为老师，要做的不是能够去彻底教会或改变一个人，但是至少让他们了解到，应该真正去做的是什么？应该在这个时代做什么？这个是很大的一件事。
但有时候想得也很简单，就是做一个自己喜欢的戏。我不否认，有些我自己做过的戏，做完就不喜欢了。还有可能过了几年，我一看，当年怎么做成这样？所以我希望通过做舞美，让自己更加开心一点，就很好了。
鼓楼西：一位长辈说，如果你钻研某一样东西，或者已经进入到专业的领域的话，就相当于你获得了一种新的、系统的认识世界的手段。舞美、灯光的工作，对你们的日常生活或者世界观，有整体影响吗？
任冬生：往小了说，这是谋生的手段。但如果做的时间长了、对它的专注时间长了，会在当中发现很多乐趣。我做事情不喜欢侥幸，或者特别累。这种累不是说体力上的，也不是说要做得不认真，而是希望获得心情上的愉悦。
这种愉悦是建立在工作上的。虽然可能是谋生立命的手段，但在这个里头我们有苦有乐，有满足，就很好。并且，工作过程中还可以接触到不同的人，也很有意思。这就是这个职业带给我的快乐，不断地通过工作去接触新的人、新的世界、新的生活，获得新的体验。
沈力：也许五年后再碰到你们，说不定我已经不是舞台设计。有时候，真的想去做一些其他的改变，我却可能临阵退缩了。有很多原因，可能因为更喜欢舞台一些，那么在某个时间段，我作为个体，会不会受自己影响？或者说是什么事情突然刺激了我，触发了我，我看到什么东西，我一下想去做了，那么我就去做了。
鼓楼西：两位能简单透露一下对《枕头人》的创作构思吗？
沈力：《枕头人》现在这一版的灵感其实沿袭自第一版，我一直在很抗拒。但和周可沟通、权衡后（见前文），我就把第一版延续下来。现在的方案已经含了新的一些东西了，所以这个过程都是有意义的。
《枕头人》的舞美大方向，是用了牛皮纸的质感的档案盒，给人的感觉是看似柔和，却藏着很多秘密，打开之后给人新的探究。《枕头人》中穿插了很多小故事，让观众像从档案盒中一个个把故事拿出来似的，再如数家珍般地说。
任冬生：我是沈力老师推荐加入《枕头人》的，因为之前合作得难舍难分。他给我第一版、第二版的设计方案，我都觉得满意，蛮有意思的。但这是建立在我的痛苦之上，因为他把屋顶全都封上了，这怎么打光？但它也是一个挺有意思的事儿，我们习惯把自己困在一个楼里面，但是思想可能就不会有这种舒适区和限定区。
所以我觉得蛮好玩的。但做戏也是为了好玩。目前为止对这部戏的创作，我预感到会有很多的困难，或者说障碍。将来创作的基础是独特性。因为，只有拥有独特性，才能调整自己的思维，去适应某个概念和观念。
鼓楼西：沈力老师说害怕重复自己对《枕头人》的设计，现在这个担忧结束了吗？
沈力：还有一点。因为我不能控制别人说什么。但自己做过努力就够了。所以我提出过、我努力过，就可以了。
任冬生：我倒不这么认为，因为鼓楼西版《枕头人》的视觉呈现本身就是很对味。其实观众进保利剧院看《枕头人》，看的是升级版，不要把它变成改变版。而且观众会延续这个思路，还会考虑这次你的“盒子”准备怎么用呢？
沈力：对，“纸盒子”（这个创意）是属于鼓楼西的。我刚毕业的时候，看舞台设计的书或资料，会觉得有很多元素可以借鉴。但渐渐地，家里的书越来越多，现在再看，就会发现有人用过了某样东西，我要选择避开、要跟他们不一样。
所以我觉得我们还是慢慢来吧。
像《枕头人》这次的舞美升级，除了对两个小房间内进行延续和调整，还多做了两个空间，在原来的空间中多加了即时影像，对于调度的运动也都有改变。
鼓楼西：两位私人更偏好《枕头人》中哪个人物？跟哪个人物更心心相惜？
沈力：没有。你可以《枕头人》中的人物理解成，困扰的、神经质的、分裂的。但就创作来说，私人的东西还是要划得清楚一些。
任冬生：我觉得，这三个环境都给了我非常强烈的创作冲动，无论是审讯室、监狱、档案室，甚至墙边长的草。
在灯光创作当中，我对人物内心的变化会越来越细化。但对环境的观感，在脑子中已经逐渐形成了很多画面。灯光它有特殊性，一定要看到导演的戏。为什么以前苏联说，舞美设计是第二导演。因为舞美是给演员设置通道的，导演要按照这个通道排戏。灯光就更像最后的泥瓦匠——通过光的明暗对比、光色、光影，把所有的舞、服装、化妆、人物、环境捏合在一起。所以，灯光的工作程序直到进入剧场中，才正式开始。随着导演排戏的推进，不断看戏、揣摸戏，也会逐步变化和深化。
鼓楼西：谢谢两位。
采访|袁菁菁、黎宇煊
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